Для многих понятие академической музыки по сей день ассоциируется с классическими произведениями Гайдна, Моцарта и Бетховена. Некоторые же могут вспомнить имена композиторов конца XIX — начала XX века: Вагнера, Дебюсси, Стравинского. С тех пор изменилось многое: большую часть репертуара филармоний и консерваторий составляют произведения давно умерших композиторов, а имена наших современников, пишущих академическую музыку, малоизвестны. В этой статье мы попробуем познакомить вас с основными направлениями и произведениями новой классической музыки.
Принято считать, что современная академическая музыка началась с 50-х годов прошлого века. В это время ещё продолжали творить классики начала столетия, но уже активно развивалась электроника. Главной техникой этого периода был сериализм. Развитие серийной музыки началось ещё в 1900-х годах с додекафонии — метода, разработанного и развитого австрийским композитором Арнольдом Шёнбергом и его учениками. Суть методики заключалась в том, что для каждого произведения создавалась серия из 12 звуков, соотнесенных между собой различными интервалами. Путем некоторых трансформаций этой серии (обратным воспроизведением, инверсии интервалов) получалась комбинация из 48 музыкальных фрагментов, которые и использовались композитором. При этом каждая серия должна была быть проиграна полностью, звук за звуком. В дальнейшем этот метод был преобразован и распространен не только на высоту звука, но и на ритм, громкость произведения, а длительность серий могла меняться от трех до двенадцати звуков.
С сериализма начинали такие авангардные композиторы, как Оливье Мессиан, Пьер Булез и Карлхайнц Штокхаузен. Булез был наиболее радикальным сериалистом из всех. Критикуя в своих статьях композиторов-приверженцев тональной музыки, сам Булез в своих произведениях жестко регулировал ряды звуков, динамические и ритмические параметры. В этом периоде наиболее известны работы композитора «Молоток без мастера» (1954) и «Структуры» для двух фортепиано» (1961).
Мессиан практиковал другой подход. Также сторонник атональной музыки, он применял серийный метод в программировании ритма произведения, при этом активно работая с арабскими, японскими, полинезийскими ладовыми системами. Другой его необычной чертой, отразившейся в музыке, стала любовь композитора к птицам, голоса которых Мессиан тщательно собирал и записывал на протяжении 40 лет.
Эксцентричный Карлхайнц Штокхаузен известен своим образом чудака, запертого в собственном мире, но его вклад в современную музыку нельзя преуменьшить. Штокхаузен одним из первых начал использовать электронную музыку в своих произведениях и ввел понятие «пространственной музыки». Так, в раннем произведении композитора «Группы» задействовано три оркестра, сидящих в разных углах зала. Незначительные различия в ритме и темпе исполняемых музыкальных отрывков приводят к ощущению циркуляции звука в пространстве.
Постепенно серийная методика изжила себя, и даже самые радикальные её сторонники начали искать новое звучание. Технический прогресс привел к появлению новых электронных средств создания музыки. Критиками серийного метода и алеаторики, способа создания музыки с разной вовлеченностью элемента случайности, стали Дьёрдь Лигети и Янис Ксенакис. Общей чертой, объединяющей композиторов, является красочное, объемное звучание их произведений, нацеленное на преобразование звука разных инструментов в одну шумную массу, оставляющую общее эмоциональное впечатление у слушателя. Лигети добивался подобного эффекта при помощи техники микрополифонии, применяемой им в оркестровых произведениях.
Ксенакис является одним из пионеров электронной музыки. Его музыка вплотную связана с его первоначальной профессией архитектора. Сложные визуальные структуры Ксенакис переносит в музыку, создавая удивительные многослойные произведения, как с использованием классических инструментов, так и при помощи компьютера и методов точных наук.
В противовес такой сложной стилистике в 60-х годах общей тенденцией в музыке становится минимализм, основанный на повторении определенного паттерна: звука, интервала, мотива. В этом течении основополагающей является эстетика статичности, пустоты; самоценности каждого звука. К композиторам-минималистам относят Терри Райли, Стива Райха, раннего Филипа Гласса и наиболее известного из авангардистов второй половины XX века Джона Кейджа.
Джон Кейдж, пожалуй, был одним из главных музыкальных новаторов. Его многочисленные эксперименты со звуком включали в себя расширение диапазона фортепиано при помощи различных предметов, закрепленных в струнах инструмента, развитие метода алеаторики. Категория случайности приобрела важную роль в творчестве Кейджа 40-х годов. Важное произведение этого периода – «Воображаемые ландшафты». В частности, «Воображаемый ландшафт № 4» написан для 12 радиоприемников, включение и выключение которых осуществлялось по воле дирижера. Таким образом, при каждом исполнении содержание, ритм и длительность произведения меняется.
Минимализм в творчестве Кейджа достиг радикальной крайности в самом известном произведении композитора «4’ 33”». При исполнении пьесы на фортепиано 4 минуты и 33 секунды исполнитель сидит, не издавая ни звука, и только закрывает и открывает крышку в начале каждой части. Музыкальная ткань при этом складывается из звуков, которые случайно издают зрители.
Идею репетативности, повторения развивали в своем творчестве Терри Райли и Стив Райх. В 1964 году Райли написал In C, возведя эту идею в абсолют. In C состоит из 53 коротких фраз, которые могут исполняться любыми музыкантами любое количество раз. Единственное требование здесь – один из музыкантов задает темп, повторяя ноту «до» на клавиатуре фортепиано.
Одним из творческих методов Стива Райха является «постепенный фазовый сдвиг», впервые примененный им в магнитофонной музыке. Несколько музыкантов начинают играть в унисон, но постепенно ритм усложняется: чья-то партия замедляется, чья-то ускоряется, и в итоге создается многомерное сложное музыкальное пространство.
Многие имена композиторов-новаторов неизвестны широкой публике, но их влияние на современную культуру неоспоримо: эксперименты с электроникой и репетативный метод лежат в основе новейшей популярной музыки. Так, ещё в 50-х годах Джон Кейдж предсказал широкое использование сэмплов, что и происходит по сей день. В наше время экспериментальная музыка, скорее, относится к области популярной, а электронные инновации уже никого не удивляют, поэтому одной из тенденций развития авангардной музыки является создание аудиовизуальных произведений. Благодаря развитию технологий синтез изобразительного и музыкального искусства стал возможным, и он является закономерным продуктом нашей эпохи глобализации.
